ホーム / ニュース・記事 / 見ることは、関わることだ。アルフレド・ジャー「あなたと私、そして世界のすべての⼈たち」（東京オペラシティアートギャラリー）レポート

公開日：2026年1月29日

見ることは、関わることだ。アルフレド・ジャー「あなたと私、そして世界のすべての⼈たち」（東京オペラシティアートギャラリー）レポート

都市空間に介入するインスターレーションで知られる世界的アーティストの大規模個展。会期は1月21日〜3⽉29⽇

アルフレド・ジャー　明日は明日の陽が昇る　2025

灰咲光那（編集部）

【チケット割引情報🎫】
Tokyo Art Beatの有料会員機能「ミューぽん」を使うと本展のチケット料金が200円OFFに！会員ログイン後に展覧会ページからご利用いただけます。詳しい使い方はこちら。

ヒロシマ賞受賞作家、待望の東京個展が開幕

社会問題を鋭く見つめるアーティスト、アルフレド・ジャーの個展「アルフレド・ジャーあなたと私、そして世界のすべての⼈たち」が、東京・初台の東京オペラシティアートギャラリーで開催されている。会期は3⽉29⽇まで。

1956年、チリのサンティアゴに生まれたジャーは、建築と映像制作を学んだのち1982年に渡米。ニューヨークを拠点に活動を始め、都市空間へ介入する作品で国際的な注目を集めた。1986年のヴェネチア・ビエンナーレと翌年のドクメンタ、その両方に招待された初のラテンアメリカ出身の作家でもある。写真、映像、建築的スケールの立体作品など多様なメディアを駆使し、異なる価値観を持つ他者を否定せず、世界を詩的に検証し、見る者に思考を促す作品を手がけてきた。その姿勢は高く評価され、2018年には「美術の分野で人類の平和に貢献した作家」を顕彰するヒロシマ賞を受賞している。2023年には広島市現代美術館で受賞記念展が開催された。

「あなたと私、そして世界のすべての⼈たち」（東京オペラシティアートギャラリー）会場にて　アルフレド・ジャー　撮影：筆者

本展のタイトルについて、ジャーは「マニフェストのようなもの」と語る。いっぽう、本展を担当した野村しのぶ（東京オペラシティアートギャラリーシニア・キュレーター）は、プレス内覧会で企画の出発点を明かした。「社会問題を『他者の物語』として見るのではなく、見てくれる人が『自分もそこに関与している』という意識を持って帰れるような展覧会にしたかった」という。ジャーから提示された展示プランとタイトルは、まさにその願いに応えるものだったという。

本展は、ラテンアメリカ、ヨーロッパ、アフリカ、アジア（日本）という4つの大陸をめぐり、日本をテーマにした新作を含む代表作を一堂に展示する。世界の出来事に応答し続けてきた作家が、いま私たちに何を問いかけるのか。その内容を見ていこう。

アメリカへの問いかけ

自身をアーティストではなく建築家だと語るジャー。「建築家にとって、文脈がすべてだ。依頼者と話し、その場所を訪れ、周囲の環境を調べ、誰がどのように建物を使うのかを理解してからデザインを始める。私はつねに自分のことを『建築家としてアートを作るアーティスト』だと考えてきた」。そしてジャーの作品はすべて、世界で起こっている出来事をきっかけに生まれる。政治、文化、あるいは特定の出来事に対する応答であり、想像力から生まれるものは一切ないという。

展示の冒頭は、そんなジャー自身の歩みから始まる。1973年9月11日、クーデターによってチリに独裁政権が成立。祖国を追われた若きジャーはアメリカ合衆国へと渡り、やがてニューヨークを拠点に活動を始めた。本章では初期作品を通じて、社会の矛盾を見つめる眼差しがいかにして培われたかが示される。

たとえば《アメリカのためのロゴ》（1987）は、移住先での違和感から生まれた作品だ。人々が何気なく口にする「Welcome to America」や「God Bless America」という言葉に、ジャーはある種の暴力性を感じ取ったという。「アメリカ」とは本来、ひとつの国ではなく大陸の名である。チリ人も、アルゼンチン人も、ブラジル人も、等しくアメリカ人だ。しかしアメリカ合衆国はその名を独占し、大陸に暮らす無数の人々を地図から消し去ってきた。

1987年、ニューヨークのタイムズスクエアのビルボードで発表された本作では、アメリカ合衆国の地図に「これはアメリカではない」、星条旗に「これはアメリカの旗ではない」という文字が重なる。そして最後に、南北に連なる大陸の全体像とともに「これがアメリカだ」というメッセージが現れる。広告の視覚言語を借りながら、奪われた名前を取り戻そうとする作品だ。

鏡の中で出会う他者

1970年代末、ブラジル北東部のセーラ・ペラーダで金が発見された。一攫千金を夢見て集まったのは、数万人ものガリンペイロ（零細鉱夫）たち。粗末な道具だけで大地を掘り進み、土嚢を背負って崖を登る。機械は一切使わず、人の手だけで山肌に刻まれた巨大な穴。1985年にジャーはこの地を訪れ、採掘場と人々の姿を撮影した。

「ゴールド・イン・ザ・モーニング」は、鉱夫たちの労働を透過光のなかに浮かび上がらせるライトボックスのシリーズ。1986年のヴェネチア・ビエンナーレで発表され、国際的な注目を集めた。

とくに目を引くのは、ライトボックスを壁側に向け、鑑賞者が鏡越しにしか映像を見られない構成の作品だ。「80年代、社会がナルシスティックになっていると感じていた。そこで鏡を『自分を見るための装置』から『他者と出会うための装置』に変えようと考えた」とジャーは語る。鏡に近づくほど自分自身は映らず、周囲の人々が映り込む。鉱夫たちを見ようとする行為が、いつしか他者との出会いへと転じる仕掛けだ。

炎の奥に隠された眼差し

第3展示室はヨーロッパ大陸に目を向ける。《エウロパ》（1994）は、第二次世界大戦後のヨーロッパでもっとも凄惨な戦場と言われたボスニア紛争を題材に、かつて隣人だった者同士が殺し合うに至った悲劇を見つめた作品だ。ロシアによるウクライナ侵攻が続く現在、その意味は一層の重みを帯びている。

ライトボックスに照らされた炎は戦火を表すと同時に、怒り、憎しみ、悲しみ、権力への欲望といった、争いに関わるすべての人間の内面をも象徴している。スクリーンの背後には鏡が設置されており、その奥にはボスニアの人々が苦しむ戦時の写真が隠されている。鑑賞者が近づき、覗き込んで初めて、悲惨な現実が目の前に生々しく映し出される。見ようとしなければ見えない。その構造自体が、私たちの無関心を問うているようだ。

世界を揺るがした1枚の写真

続いての展示室に足を踏み入れると、巨大なネオンライトの壁が視界を圧倒する。眩しさに目が慣れてくると、それが壁ではなく、大きな箱のような構造物であることがわかる。その内部に隠されているのが《サウンド・オブ・サイレンス》（2006）という作品だ。

1993年、報道写真家ケヴィン・カーターはスーダンで1枚の写真を撮影した。飢餓に苦しむ幼子と、その背後で待つハゲワシ。ピューリッツァー賞を受賞したこの写真は、同時に激しい論争を引き起こした。ジャーはこの出来事をめぐる物語を、シアター空間で8分間の映像作品として提示する。入場できるのは緑のライトが点灯したときのみで、途中から入ることは許されない。

「すべてのイメージは無垢ではありません。すべての写真が、なんらかのイデオロギーや政治的・社会的背景を背負っていいる。だからこそ、最初から最後まで体験してほしい」と作家は説明する。係員の指示に従い、8分間の沈黙に身を委ねてほしい。

それでもなお、考え続ける

展示の最後を飾るのは、日本をテーマにしたふたつの作品だ。

《明日は明日の陽が昇る》（2025）は、同館のコミッションによる新作。床には上を向いた日の丸が、その真上には天井から吊り下げられた星条旗が配置されている。「日本がなぜこれほどアメリカに依存しているのか、なぜアメリカを突き放して強いアイデンティティを持てないのか」。ジャーは日米関係を理解することが自身にとって難しかったと明かす。

本展のすべての展示室に共通することでもあるが、ここは要素を極限まで削ぎ落とした洗練された空間だ。しかし近づいてみると、星条旗が日の丸に反射して映り込んでいることに気づく。世界を主導してきたアメリカもまた変化のさなかにあるいま、日本は世界とどのような関係を築き得るのか。シンプルな構成が、複雑な問いを静かに放っている。

いっぽう《ヒロシマ、ヒロシマ》（2023）は、2018年のヒロシマ賞受賞を記念し、広島市現代美術館のコミッションで制作された映像インスタレーションだ。早朝の広島上空をドローンが飛行し、原爆ドームへと垂直に降下していく。原爆ドームを真上から撮影することが許可されたのは、世界で初めてのことだという。ジャーによれば、この視点は鑑賞者自身を原爆そのものに変えるのだ。