「ソル・ルウィット　オープン・ストラクチャー」が東京都現代美術館で開幕。作品を支える「構造を開く思考」を体感する

【チケット割引情報🎫】
Tokyo Art Beatの有料会員機能「ミューぽん」を使うと本展のチケット料金が2名様まで10％OFFに！　会員ログイン後に展覧会ページからご利用いただけます。詳しい使い方はこちら。

コンセプチュアル・アートの先駆者、日本の公立美術館での初個展

20世紀後半のアメリカを代表するアーティストのひとり、ソル・ルウィットの個展「ソル・ルウィット　オープン・ストラクチャー」が、東京都現代美術館で12月25日に開幕する。会期は2026年4月2日まで。

1928年、アメリカのコネチカット州ハートフォードに生まれたソル・ルウィットは、主にニューヨークを拠点に活動した。1960年代後半、作品そのものよりも、それを生み出すアイデアや構造、プロセスを重視する試みにより、芸術のあり方を大きく転換したアーティストだ。その考えは、1967年に発表された「コンセプチュアル・アートについてのパラグラフ」に綴られた「アーティストがコンセプトから生まれる芸術のあり方を選択する場合、すべての計画や決定は事前に行われ、実際の作業は形だけのものとなる。アイデアは芸術を生み出す機械となる」という一節に象徴される。2007年の死去後も、生前に膨大なアーカイヴを寄贈したイェール大学などで作家の芸術に対する研究が進められており、現在も多くの関心が寄せられている。

東京都現代美術館は2025年に開館30年を迎えたが、1995年に開館記念展のひとつとして行われた「レボリューション／美術の60年代　ウォーホルからボイスまで」で展示されていたのが、ルウィットの代表作であるウォール・ドローイングだった。日本の公立美術館で初めて開催されるルウィットの個展となる本展では、ウォール・ドローイングをはじめ、立体・平面作品、アーティスト・ブックなどを展示し、その広範な仕事を検証する。既存の枠組みを問い直し、別の構造への可能性を開こうとしてきたルウィットの思考の軌跡をたどり、その芸術に通底する「構造を開く思考」を照らし出すことを試みる。

担当学芸員の楠本愛（東京都現代美術館）は、本展について「ソル・ルウィットというアーティストを、偉大な巨匠として称えるためにこの展覧会が開かれているわけではないということを強調しておきたい」と話す。「オープン・ストラクチャー」というタイトルの通り、「ある意味で不完全で欠けた部分のあるシステムやプログラムとして、開かれた裂け目や隙間があるものとして、ルウィットの作品を見直すことができないだろうか。それがよりアクチュアルなルウィットの理解につながるのではと考えて、この展覧会の企画を始めた」と明かした。

展示は、ウォール・ドローイングや立体作品を中心とした前半と、アーティスト・ブックを紹介する後半のゆるやかな2部構成となっている。

前半は作品を通して、ルウィットのアイデアを体験することのできる空間だ。まず来場者を出迎えるのが、辺が一部欠けた立方体の構造である《不完全な開かれた立方体 6/20》。「立方体を決して完成させない」というアイデアを探求したシリーズで、本作は122通りある欠けた立方体のうちのひとつ。展覧会タイトルの着想源のひとつにもなっており、「完全な立方体が欠けているのではなく、永遠に完成しないプロセスのあいだにあるかたちを提示する」（楠本）というルウィットの芸術観を象徴する作品として、展覧会の冒頭を飾っている。

作家の指示書をもとに、他者の手で描かれるウォール・ドローイング

続いて、本展の大きな見どころである6点のウォール・ドローイングが、立方体を基本単位とする構造を組み合わせた立体作品とともに、展示室全体に展開される。

1968年に初めて発表されたウォール・ドローイングは、その多くがルウィット自身が描くのではなく、ルウィットの文章や図面による指示書に基づいて他者の手によって壁に描かれ、会期終了後には塗りつぶされる。描く主体が作家ではないこと、そして展示のたびに描く人や物理的な制約など異なる条件のもとで作品が立ち上がることは、作者性や唯一性、作品の物質的な永続性に対する問いを含んでいる。

ルウィットの指示書に基づいて作品を作り上げるため、本展では、ルウィットの作品管理団体であるエステート・オブ・ソル・ルウィットから作品を描くドラフトパーソンが2名派遣され、作家の存命中である80年代からドラフトパーソンを務めていた同団体のインスタレーションディレクターも展示指導として参加した。さらに日本から14名がローカルクルーとして加わり、16日間をかけて6点のウォール・ドローイングが仕上げられた。

ドラフトパーソンはボランティアではなく、対価を得て作品制作に関わる存在であり、ルウィットは彼らを共同制作者としてとらえていた。今回もその考えに従い、14名は日本のスタッフとして雇用され、各作品のキャプションにはドラフトパーソンの名前が明記されている。

簡潔なアイデアに基づくウォール・ドローイングのバリエーションや展開

本展で最初に目にするウォールドローイング《ウォール・ドローイング #46》は、ルウィットが初めて直線ではない線を用いたウォール・ドローイングの作品。友人であったアーティスト、エヴァ・ヘスの早逝を受け、「作品を通してふたりのつながりを残したい」とのアイデアから構想された。定規を用いずにフリーハンドで引かれた無数の線が白い壁を覆っているが、本作において「非直線」や「最大密度」という指示の解釈は描画者に委ねられている。

「ドローイング・シリーズ」では、四等分した正方形の中に引く直線の種類や配列がシステムとして定められている。直線が引かれる方向とそれらの配列の組み合わせ、そして線の描き方によって192通りのバリエーションが生まれる。

「位置」のシリーズでは、円や直線の位置が細かく指示されており、その長文の指示そのものが線や図形とともに作品の一部として鉛筆で描かれる。本展で展示されている《ウォール・ドローイング #283》では、ルウィットが三原色として用いた赤、青、黄が使われている。

黒い背景に円と三角形、四角形の組み合わせが描かれた《ウォール・ドローイング #312》は、1978年に初めて展示された作品。正方形と立方体を基本となる形態として用い始めた1960年代に対し、1970年代以降はウォール・ドローイングに幾何学的なかたちが用いられるようになった。ここでも「正方形、円、三角形が重なる」「長方形、台形、平行四辺形が重なる」という指示が作品のなかに描かれている。

さらに1980年代以降、ルウィットの作品には《形態の複合 #6》（1987）のような複雑な形態や、色彩豊かな表現が多く見られるようになる。

しかしそれらも、当初の簡潔なアイデアに基づいたものであり、《ウォール・ドローイング #770》における非対象なピラミッドの各面は、「位置」シリーズの基本形態から派生している。また暗みがかった赤や黄色、深い緑、茶色などの色合いも、ルウィットが重視した三原色である青、赤、黄とグレーを壁面で塗り重ねることで生み出されており、近づいて見ると茶色の面のなかに赤や黄色があるのがわかる。

こうした時代ごとのウォール・ドローイングの変遷を見ることができるのも本展の特徴のひとつ。楠本は、ルウィットの80年代以降の変化について「これまで自分の定めてきたアイデアの限界みたいなものを超えたいという気持ちがあったのではないか」と指摘する。

アイデアを共有するための、作品としてのアーティスト・ブック

展示後半では、自身のアイデアを人々と共有することを重視したルウィットが、晩年まで作品として制作し続けたアーティスト・ブックや書籍が紹介される。「コンセプチュアル・アートについてのパラグラフ」の草稿も展示され、作家の思考のプロセスをたどることができる。

ページを順に追うという本の形式は、ルウィットが探求した構造の連続性に重なるものであり、その背景には、ニューヨークに拠点を移してまもない頃に従事した商業雑誌での製版の仕事や、I・M・ペイの建築事務所でのグラフィックデザイナーとしての経験があった。ルウィットは批評家のルーシー・リパードらと並び、1976年に創設されたアーティスト・ブックの出版や普及に取り組む団体「プリンテッド・マター」の立ち上げメンバーのひとりでもある。

会場では、「連続性」「円弧／色」「位置／写真」「立方体」といったテーマごとに資料が展示され、1980年刊行のアーティスト・ブック《Autobiography》はページを解体した状態で展示している。配管や床の木目、コンセント、本棚、時計など日常的なモチーフをとらえ、グリッド状に並べられた写真のなかには、浮世絵の写真や来日時に購入したというポストカードの写真も含まれ、日本や東洋への関心もうかがえる。

そしてこの展示室の最後には、冒頭にあった「不完全な開かれた立方体」シリーズの作品がふたたび登場。「展覧会自体が有限の構造ではありながら《不完全な開かれた立方体》というオープンなキューブによって無限の円環に開かれる」（楠本）という構成が意図されている。

目に見える作品そのものではなく、その背後にあるアイデアにこそ芸術の本質を見出し、それを多くの人と分かち合おうとしたソル・ルウィット。ウォール・ドローイングは会期が終われば塗り潰され、この場所から姿を消す。会場に置かれたベンチに座り、いまここに立ち現れている作品とじっくり向き合う時間を体験してみてほしい。