主役は着る人、服はあくまで額縁。「生誕100年　森英恵 ヴァイタル・タイプ」（国立新美術館）レポート

「ヴァイタル・タイプ」の誕生

六本木の国立新美術館で、ファッションデザイナー・森英恵の生誕100年を記念する大規模回顧展「生誕100年　森英恵 ヴァイタル・タイプ」が開催されている。会期は4月15日から7月6日まで。

戦後の高度経済成長期の日本において、女性として社会の第一線で活躍し、アジア人として初めてパリ・オートクチュール組合の正会員となり、日本のファッションを世界へと押し広げた森英恵。彼女が理想として打ち出した人物像が「ヴァイタル・タイプ」だ。1961年、雑誌「装苑」1月号に記されたその言葉——「生き生きと生命力に溢れ、敏捷に目を光らせた女性」——は、デザイナーという枠を超えた森自身の生き方を体現するものでもあった。

「アーティストであり、働く女性であり、妻であり母である」という新しい人物像を自ら生き、ファッションを通してその姿を社会に投げかけた。第1章はそんな森のキャリア最初期に焦点を当てる。

キャリアの起点となるのは、1951年、新宿駅東口近くに開いた小さなスタジオ兼店舗「ひよしや」だ。森は洋裁店ではなく「洋装店」と自ら呼ぶことにプライドを持ち、服の仕立てにとどまらずバッグや小物も扱い、人の装い全体を手がけることを仕事と定義していた。周辺には武蔵野館をはじめ、複数の映画館や劇場が並び、学生時代の高田賢三や松田光弘、『装苑』編集長の今井田勲らが出入りし、通りに面したガラス張りのショーウィンドウに鮮やかなドレスが並ぶこの店は、界隈の若者文化の磁場のひとつとなっていた。

1953年のある日、「綺麗な服を作る元気のいいデザイナーがいる」との評判を聞きつけた日活のプロデューサーに見出された森は、映画衣装の世界へと足を踏み入れる。以後およそ10年間、日本を代表する多くの監督と仕事をする「修業時代」が続き、徐々に松竹、大映、東宝、東映からも声がかかるようになり、「五社かけもちのデザイナー」として知られるようになる。深夜まで働き、4時間睡眠で駆け抜けたこの時期を、森は後に「人を見る目と表現力を養った」時間として振り返っていたという。

しかし、日本映画史上最高の製作本数を記録した1960年、過労から体調を崩した森は初めて長期休暇を取ることになる。心身ともに疲れ果て、仕事をやめようかと塞ぎ込んでいたそのとき、今井田勲がパリに行くことを勧めた。翌1961年1月、パリへと向かった森は、各メゾンのオートクチュールのショーを見て回った。そしてなかでも心惹かれたのはシャネルだった。服に着用者の美しさを引き出す力を感じた森は、数日後、シャネルのアトリエへ自らスーツを仕立てに赴く。シャネルは森の黒髪を称え、それに合う色を提案し、細部まで神経の行き届いた服を仕立ててくれた。アーティストの作品でありながら、着用者に寄り添う着心地のよい服——目指すべき服の姿を見出した森は、仕事への意欲と活力を取り戻した。そして帰国後は既製服ラインの立ち上げを行うなどこれまで以上に精力的に働き、同年8月には既製服産業の確立されたアメリカへと旅立つのだった。

ニューヨークへ、「East Meets West」の確立

1965年1月、ニューヨークのホテル・デルモニコでの初コレクションが、森の国際的な活動の幕を開けた。テーマは「MIYABIYAKA（雅やか）」。日本人ならではの国際的競争力を持つ服を作るにはどうすれば良いか？ その問いに対して森が導き出した答えが、日本の伝統的な布地の活用だった。

着物の素材に着目した森は各地の産地を訪ね歩き、様々な素材を試したうえで最初のコレクションを作り上げた。当時流行していたシックな黒に対して鮮やかな色彩を打ち出したこのコレクションは、錚々たるファッション関係者の目に留まり、高級専門店での取り扱いも決定した。ファッション記者ユージニア・シェパードはこの仕事を「East Meets West（東と西の出会い）」と表現し、以後これが森のデザインコンセプトを象徴する言葉となった。

当時のアメリカのファッション業界は、独自の成熟した構造を持っていた。1950年代にはすでに日本では珍しかった既製服産業のシステムが確立されており、その頂点に君臨していたのが百貨店だ。アメリカ市場との対話を重ねるなかで、森の素材選びにも変化が生まれた。当初は帯地など重厚な布地を用いていたものの、次第にシワになりにくいナイロンといった素材のドレスが人気を集めるようになり、コレクションの構成も変わっていった。

しかし森英恵のデザインに欠かせないのは華やかさであろう。アメリカでの躍進を陰で支えたのが、テキスタイルデザイナー・松井忠郎（1930〜2009）との協業だ。松井は梅や菊などの日本の花、青海波や貝斗といった伝統的なモチーフを再解釈した図案や幾何学模様を、手捺染の技法で絹のサテン、シフォン、ベルベットなどに染め上げた。森はそれを服のパーツごとに使い分け、表裏を逆に用いるなど自在に組み合わせて独自の作品を生み出した。本展で初公開されるテキスタイルの原画や布にプリントする前の試し刷り「絵刷り」にも注目してほしい。

とくに『ヴォーグ』誌編集長ダイアナ・ヴリーランドが森の色彩感覚を高く評価し、レッドやフューシャピンクを用いたドレスを誌面に取り上げたことで、国際的評価はさらに高まり、森は次第に「綺麗な色を使うデザイナー」として広く知られるようになっていった。

文化としてのファッション

続く第3章は自社の成長とともに、出版や映像などファッションの情報基を整えていったハナヱ・モリグループの事業と、そこへの森美恵の関わりについて幅広く紹介する。

1966年に創刊した『森英恵流行通信』は、当初は顧客向けの配布物だったが、鋭い切り口と充実した特集が話題を呼び、市販の雑誌『流行通信』へと発展。気鋭のデザイナーやアーティスト、写真家を起用した誌面作りで、日本屈指のファッション誌のひとつとなった。さらに1976年には『STUDIO V』を創刊し、アメリカのファッション業界紙『WWD』を日本に輸入。1985年には現在も続くテレビ番組「ファッション通信」をスタートさせるなど、同時代のファッションの動向を記録し発信する媒体を次々と育て上げた。

いっぽう、1978年に表参道に竣工したハナヱ・モリビルは、森のライフスタイルへの眼差しが結晶した空間だった。親交の深かった丹下健三の設計によるハーフミラー外観の建物は、上から見ると蝶のかたちをなし、表参道のランドマークとなった。オートクチュールサロンや各種ブティック、フレンチレストランに加え、若いアーティストの発表の場にもなった多目的ホール「The Space」を備え、田中一光によるロゴデザイン、横尾忠則が内装を手がけた「カフェ猫」など、国際的な才能が一堂に集った。ビル自体が「ファッションとは生活全体をデザインすること」という森のコンセプトを体現する場として機能し、2012年に取り壊されるまで、モードの発信地であり続けた。

制服デザインも、森のキャリアの重要な柱だ。日本航空の客室乗務員制服を1967年から3代にわたり手がけ、誇り高い乗務員にふさわしい装いとはなにかを毎回深く考えたという。さらに1992年のバルセロナ・オリンピックでは日本選手団の公式ユニフォームも担当し、白のジャケットを基調に右肩後ろへ日の丸をイメージした赤い丸を配したデザインは、入場行進での映り込みを計算したものだった。服を通して着る人を応援したいという信念を持ち続けた森にとって、制服とは機能性と集団美、そして着用者の誇りを同時に実現すべき、ひときわ真剣な仕事だったと言える。

パリ・オートクチュール、27年の挑戦

1977年、森英恵はパリ・オートクチュール組合の正会員となり、アベニュー・モンテーニュにメゾンを開設した。ピエール・カルダンやユベール・ド・ジバンシィらの推薦を得ての加盟は、東洋人として初の快挙であり、10年ぶりのクチュリエール誕生としても大きな注目を集めた。第4章では、2004年の秋冬コレクションをもって27年にわたるオートクチュール活動に幕を下ろすまでの全軌跡が、初期コレクションからファイナルまで網羅的に展覧される。

パリでの活動初期、森はあえて自身の象徴である蝶のモチーフを封印し、蛇をテーマとしたテキスタイルなど新たな表現を模索した。「光と影で彫刻のようなスーツやドレスを作りたい」と語り、バイアスやドレープを使って布地の表情を引き出し、刺繍を贅沢に用いて服に光を取り込むなど、フォルムを重視した創作に集中した。しかし創作を重ねるなかで、やがて蝶と適度な距離を保ちながら向き合うようになっていく。森にとって蝶は、たんなるブランドのトレードマークではない。春になると故郷・島根の里山を飛び交うその姿は希望の象徴であり、その儚く華やかな姿はファッションそのもののようでもある。多層的な意味を持つその蝶は、国境を越えて多くの女性たちの装いを鮮やかに彩り続けた。

数多くの華やかなドレスやコスチュームが並ぶ大きな展示室で、ひときわ目を引くのが、墨絵や流麗なかな文字・漢字をあしらったモノトーンの一連のドレスだ。アメリカ時代に確立した、同一柄のシルクシフォンとサテンを重ねる技法を用いながら、鮮やかな色彩から離れ、陰影によって表現する静謐かつ力強い世界を実現した作品群である。一時期は日本のモチーフから距離を置いていた森が、自身のルーツへと立ち返り「East Meets West」を突き詰めた、表現の到達点のひとつと言えるだろう。

アーティストたちとの創造

最終章は、森のクリエイションが多彩な才能との持続的な協業によって、いかに豊かに育まれてきたかを明らかにする。

ファッションモデルの松本弘子は公私にわたる親友として、卓越した表現力で森の衣装の魅力を可視化し続けた存在だ。また、写真家・奈良原一高は1958年に森のスタジオを訪れて以来親交を深め、ニューヨーク進出など転機となる場面をカメラに収めたほか、自身の作品の被写体としても森を起用した。

アート界との交流も見どころのひとつだ。グラフィックデザイナーの田中一光は『流行通信』のロゴから店舗内装、ショーの広報物まで、ブランドのヴィジュアル・アイデンティティ全体を一手に担った。いっぽう、横尾忠則は森の依頼を受けて1980年の1年間「流行通信」のアートディレクションを担当し、革新的な誌面で発行部数を大きく伸ばした。

舞台・映像との接点も豊かだ。黒柳徹子は音楽番組『ザ・ベストテン』での着用を通じて森の衣服をメディアで広く伝えた。さらに演出家の浅利慶太は1985年のスカラ座版『マダム・バタフライ』を皮切りに、『ミュージカル香蘭』『エビータ』『鹿鳴館』など劇団四季の代表作で森との協業を重ねた。

「主役は着る人、服は額縁」と語っていた森英恵。全軌跡を前に、その言葉の意味を改めて実感できる展覧会だ。オリジナルグッズのラインナップが充実しており、グッズ売り場もぜひ訪れてほしい。